Hot Thoughts – Spoon (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

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A pocos años del «They Want My Soul», la banda volvió con un LP producido por Dave Fridmann, lanzado a través de Matador Records (el segundo desde «Telephono» de 1999) y el primero sin el multi-instrumentista Eric Harvey. Esta vez se acercan cada vez más al indie pop y por momentos a la electrónica con un sonido mucho más pulido y claro que en sus inicios pero al mismo tiempo conservando su marca. Un claro ejemplo de esto son temas como «Do I Have to Talk You Into It», «Pink Up» (donde predomina un extenso instrumental con una breve letra), «Can I Sit Next to You» y el desolador «I Ain’t The One» que aparece en la serie de tv Shameless (2011).

Calificación: 8.75/10

After Laughter – Paramore (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

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Luego del álbum homónimo del 2013, volvieron con este LP donde se reinventaron musicalmente con sonidos mucho más ligados al indie pop y el synth pop de los 80s más el regreso del baterista Zac Farro. Fue producido por el guitarrista Taylor York y Justin Meldal-Johnsen quien trabajó con ellos en el anterior.

Tiene melodías alegres y mucho pop en comparación con materiales pasados, pero las letras muestran un lado oscuro y triste como es el caso de «Fake Happy», «Rose Colored Boy» y el acústico «26». Pero para aquellos que buscan mayor presencia de las guitarras eléctricas están «Idle Worship» y «Caught In The Middle».

«No Friend» es una de las más potentes del álbum e incluye versos de Aaron Weiss de mewithoutYou donde cuentan la turbulenta historia de la banda que pasó por varios cambios de integrantes a lo largo de los años y a comienzos del 2016 se vio envuelta en una disputa judicial con el ex bajista Jeremy Davis.

«After Laughter» es un material donde Williams pudo expresar sus sentimientos más profundos y experiencias menos alegres lo que su grabación se convirtió en un proceso terapéutico. En cuestión de sonido, aún mantienen su esencia pero no hay duda que este es un nuevo Paramore que no piensa mirar atrás.

Calificación: 8.95/10

Masseduction – St Vincent (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

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Annie Clark va por más en su quinto álbum Masseduction donde, a través de historias personales y sátiras, habla sobre rupturas amorosas, la sociedad, el arrepentimiento y la seducción con canciones como «Sugarboy», «Happy Birthday, Johnny», «New York» y acercándose a una estética kitsch con «Los Ageless», «Pills» y «Masseduction». El LP cierra con temas más melancólicos como «Slow Disco» (cuya versión dance fue lanzada al año siguiente como single y se titula «Fast Slow Disco») y «Smoking Section» acompañados del interludio «Dancing With a Ghost». El quinto LP fue producido junto a Jack Antonoff (frontman de Bleachers quien ha trabajado con Lorde y P!nk), Lars Stalfors (quien produjo para Cold War Kids) y John Congleton (que ya había participado en trabajos anteriores de St Vincent).

Calificación: 9.15/10

This Old Dog – Mac DeMarco (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

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El favorito de la escena indie lanzó su tercer álbum de estudio donde realiza una reflexión luego de pasar varios años de tour. El sucesor de «Salad Days» (2014) y el mini álbum «Another One» (2015) tiene letras más introspectivas pero manteniendo sus clásicos riffs de guitarra y transiciones soft rock. Algo llamativo en este nuevo trabajo es la forma en que habla sobre su familia, amigos y el amor en varias reflexiones y hasta encara a su clásico papel de bromista en «My Old Man»: «hay una etiqueta de precio colgando por tener tanta diversión» canta DeMarco. También le dedica «Sister» a su hermana y habla sobre su padre en varias ocasiones, como por ejemplo «Watching Him Fade Away», tema con el cual cierra este LP. «This Is Old» sigue la línea del Mac que ya conocemos pero esta vez desde un lugar más personal con una madurez a la hora de componer.

Calificación: 8.65/10

Muse anuncia el lanzamiento de Simulation Theory + tracklist

Los británicos Muse revelaron la fecha de estreno de su próximo álbum de estudio titulado «Simulation Theory» el cual será editado el 9 de noviembre en todo el mundo. El disco de once canciones fue producido por la banda junto con varios productores como Costey, Mike Elizondo, Shellback y Timbaland. Cada una de las canciones del álbum estará acompañada de su video.

Los singles más recientes como «Something Human», «Thought Contagion» y «Dig Down», junto al nuevo tema «The Dark Side», están disponibles para aquellos que pre-ordenen el álbum.

El artwork de su LP incluye la ilustración del artista digital Kyle Lambert, quien realizó el arte del afiche de la serie «Stranger Things», «Jurassic Park» y otros. La tapa de la versión Super Deluxe incluye la ilustración realizada por Paul Shipper, cuyos trabajos previos incluyen «Star Wars: The Last Jedi» y «Avengers: Infinity War», entre otros.

Todos los que compren «Simulation Theory» a través del store de la banda tendrán acceso a las entradas para la gira de Muse en 2019. Este va a ser el sucesor de «Drones» publicado en 2015. Desde entonces, el trío ha realizado extensas giras, llevando su «Drones World Tour» a fans de todas partes. Este concierto fue filmado y emitido en cines de todo el mundo en una única noche en julio de 2018.

Tracklist de «Simulation Theory»:

01. Algorithm
02. The Dark Side
03. PressurePropaganda
04. Break It To Me
05. Something Human
06. Thought Contagion
08. Get Up and Fight
09. Blockades
10. Dig Down
11. The Void

RECOMENDADOS: Greta Van Fleet

Disponible en la edición 5 de MBU. Leelo gratis haciendo clic acá

En una etapa de constante cambio en la música con la incorporación de nuevas tecnologías a la hora de crear y producir, aparece un grupo que trae de vuelta el rock clásico setentero a las masas. Esta banda formada en 2012 en Frankenmuth (Michigan) por los hermanos Kiszka y Danny Wagner quien se sumó tiempo más tarde, logró llamar la atención de varios por su estilo retro (tanto en el sonido como en lo estético) y, sin duda alguna, por la peculiar voz de su frontman lo cual los ha puesto más de una vez en el blanco de comparación con la icónica banda Led Zeppelin aunque ellos admiten que no fue su primera inspiración y el parecido fue más inadvertido que intencional. Pero a pesar del paralelismo constante, tienen una historia como banda y a partir de presentaciones en festivales se encuentran en pleno asenso en los charts de rock actual.

En abril de 2017 lanzaron su primer EP «Black Smoke Rising» con temas como «Flower Power» y su primer single «Highway Tune» que meses más tarde los hizo ingresar a los primeros lugares en las listas de rock mainstream en Billboard y al tiempo de haber firmado con el sello discográfico Lava Records. A fines del año pasado, lanzaron su segundo mini-álbum titulado «From the Fires» con las primeras canciones más cuatro nuevas como el segundo sencillo oficial «Safari Song». Para julio de este año ya habían estrenado su más reciente single «When the Curtain Falls» el cual será parte de su próximo y primer álbum de estudio. También pasaron por estaciones de radio locales para promocionar su material y tocaron en eventos de música como Coachella y Lollapalooza lo cual les brindó un nuevo público con edades variadas así como también más comentarios de todo tipo: algunos favorables y otros no tanto.

Más allá de posibles imitaciones a otros grupos que surgieron antes, no hay duda que este cuarteto trae rock n’ roll y blues a una nueva generación y eso siempre es bien recibido en tiempos donde la industria de consumo masivo utiliza fórmulas similares generando la impresión que «todo suena igual». La diferencia puede estar en los sonidos que regresan de manera cíclica y con protagonistas muy jóvenes que aún tienen interés por la «vieja escuela».

Integrantes:

Josh Kiszka (cantante)

Jake Kiszka (guitarrista)

Sam Kiszka (bajista)

Danny Wagner (baterista)

Géneros:

hard rock / blues

Must Listen:

«Safari Song»

«Flower Power»

«Highway Tune»

«When the Curtain Falls»

«Edge Of Darkness»

¡EXCLUSIVO! The Cigarette Blondes: “Las redes sociales son imperativas para cualquier artista”

¿Synth pop moderno con toques ochentosos a lo The 1975? Eso es lo que hace The Cigarette Blondes, una banda de San Petersburgo (Florida) formada en 2016 e integrada por Matt Desmond, Kyle Gray, Garen Freed, Brandon Klase y Ian Stawin. Hablamos con su frontman sobre el más reciente EP homónimo lanzado en 2017, sus inicios, el uso de las redes para conectarse con su público y el futuro de la banda. También nos contó del momento en que tuvo un sueño que lo inspiró a componer y qué artistas los influenciaron y cuáles escuchan ahora.

-¿De dónde proviene el nombre y cuándo empezaron a tocar juntos?

Matt: El nombre es algo que improvisé cuando estaba observando gente. Estuve caminando detrás de un señor grande con pelo canoso fumando un cigarrillo y me di cuenta que cuando el sol pegaba en su cabeza se podía ver los restos de rubio en su pelo de cuando era joven y lo llamé «rubio de cigarrillo» (cigarette blonde). No es realmente una buena historia. Pero sabía que sería un buen nombre para algo. Brandon (bajista) y Kyle (guitarrista) han estado tocando música desde la secundaria. Yo empecé a tocar con ellos en 2013, pero empezamos con The Cigarette Blondes como hace un año. Ian (baterista) toca con nosotros también hace un año.

-Su primer EP fue lanzado el 3 de diciembre incluyendo 5 canciones, ¿cómo fue el proceso de composición y producción? ¿Qué canciones fueron las más fáciles y cuáles las más difíciles de hacer?

Matt: El proceso de composición tuvo bastante de mi encerrado en un cuarto con la guitarra acústica creando el trabajo preliminar de las canciones para luego desarmarlas con toda la banda donde cada uno va agregando algunas pizcas y después lo pulimos en el estudio. “She Knows” fue en definitiva la canción que me llevó más tiempo en componer. Quería que fuese épica. “Friday Nights Are for Lovers” fue la más fácil créase o no. Probablemente me llevó un total de 15 minutos. El proceso de producción fue bastante suave, algunas en estudio salieron bastante diferentes a lo que pensábamos, pero en el buen sentido. Casi ni grabamos “After 1 am”. Yo no quería agregarlo, pero Brandon me convenció como las últimas dos horas de nuestro último día en el estudio, así que lo hicimos. Y una mención a Jacob Hansen que fue el productor.

-¿Quién hizo el artwork del EP? Se ve genial y parece sintetizar el nombre de la banda.

Matt: Sí, ¡gracias! Trisha Thompson Adams es la artista que hizo el artwork. De hecho ella no lo creó para el EP. Creo que es algo que tenía hecho hace un par de años. He estado siguiendo su trabajo como hace un año y recuerdo haber visto esa pieza que me cautivó y entonces la guardé en mi celular. Supe que era lo que quería usar para la banda, así que tuvimos el permiso de ella. Fue muy amable al dejarnos que estuviera en nuestra tapa.

-¿Cómo se siente estar en contacto con sus fans y nuevos oyentes en las redes sociales? ¿Creen que es una buena herramienta para bandas independientes?

Matt: Es increíble. Amamos comunicarnos con nuestros fans, es una experiencia especial, es lo que hace que sigamos. Las redes sociales son imperativas para cualquier artista musical. Realmente no podés darte el lujo de ser ignorante o «de la vieja escuela» a esta altura. Es como la gente se conecta y comunica ahora, es simplemente como las cosas funcionan actualmente.

-¿Dónde provino la inspiración para Friday Nights Are For Lovers?

Matt: Líricamente, el verso vino de una interacción que tuve con una súcubo en un sueño. Me desperté esa mañana y anoté todo porque fue una experiencia única y real, quería conmemorarla de alguna forma. El estribillo es algo que vino a mí, ni siquiera podría decir cómo honestamente, probablemente estuve escuchando mucho a The Cure en ese momento. Pero de hecho fue Joy Division quien influenció la forma en que la canción sonaba al comienzo. La compuse en un tempo mucho más lento y solía cantarla en un octavo más bajo como Ian Curtis lo haría. Pero cuando estuvimos perdiendo el tiempo al tocarla en vivo resultó salir algo muy diferente. No creí que el tema pudiera ser lo suficientemente bueno para ser de la banda y no planeaba usarla, pero al resto realmente le gustó y cuando agregaron sus propias partes fue cuando realmente se volvió especial.

-¿Cuál es el mensaje detrás del video de She Knows?

Matt: La canción en sí contiene una letra melancólica pero creo que el sentimiento general de la canción es inspiradora y queríamos imitar eso visualmente. Demostrar que está bien pasar por ciertas cosas como dudas existenciales y depresión porque la mayoría de nosotros ha pasado por eso en algún punto y queríamos mostrarles que realmente nunca están solos en ese sentido. No importa qué tan solo te puedas sentir en ese momento, las cosas mejoran.

-También hay una versión acústica de esa canción, ¿considerarían hacer un álbum o EP acústico algún día?

Matt: Un EP acústico es en definitiva una posibilidad para el futuro. Amo desglosar las canciones así, te permite una emoción bien en crudo.

-¿Cuáles son sus influencias musicales?

Matt: Tengo una lista larguísima, pero durante el tiempo de grabación estuve escuchando un montón a The 1975 y otras bandas inspiradas en la guitarra y el pop. En definitiva LANY es uno de mis grupos favoritos actualmente, pero también estoy escuchando bastante R&B, pop y hip hop.

Brandon: Los Red Hot Chili Peppers, The Wombats y Smash Mouth.

Kyle: The 1975 y Chon son mis más grandes influencias.

Ian: Plini, Porcupine Tree después de los 2000, Phish antes de los 2000, Chon y (Frank) Zappa.

-¿Cuál es la canción favorita de ustedes por el momento? ¿Qué hay actualmente en sus playlists?

Matt: Mi playlist es un crisol de razas actualmente. Sam Smith, LANY, Post Malone y Lil Uzi Vert para mencionar algunos.

Brandon: Mi canción favorita en este momento es “Violet” de The Shoobies! Después mi playlist incluye a Ghostmane, Lil Dicky y el soundtrack de The Rocky Horror Picture Show.

Kyle: “The Only Moment We Were Alone” de Explosions In The Sky es mi tema favorito ahora. Después todo lo que sea de Deafheaven y Caspian está en mi playlist. Y, como siempre, también Meshugga.

Ian: “Taglaten” de Salomon Jakobsson y “First of the Month” de Bone Thugs N Harmony.

-¿Qué le dirían a sus fans (y nuevos seguidores que escucharon su música) en Argentina?

Matt: Los amamos, queremos escuchar de ustedes, hablar con ustedes y (esperamos) verlos pronto!

-¿Qué se viene en el futuro de The Cigarette Blondes?

Matt: Hemos estado escribiendo música sin parar y viendo si podemos entrar al estudio pronto para lanzar otro EP en los próximos meses! ¿Tal vez un tour 2018? ¡Tendrán que adivinarlo!

Ti Amo – Phoenix (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

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Una banda francesa que canta en inglés sobre la cultura italiana. Eso es «Ti Amo», el sucesor de «Brankrupt!» (2013) donde Phoenix se influenció en los sonidos asiáticos, pero ahora le tocó el turno al denominado «Italo Disco» que tuvo su momento de esplendor en los 70s y 80s en las pistas de baile de la época.

En pleno 2017, la banda trajo de vuelta aquel movimiento musical sumándole el toque fresco e indie pop de este milenio. El LP empieza con el pegajoso «J-Boy» que invita a moverse lentamente y luego pasar al verdaderamente bailable «Ti Amo» donde Thomas Mars expresa sus sentimientos de amor en diferentes idiomas para contrarrestarlo y ser directo con el verso «open up your legs» («abrí tus piernas»).

El ambiente de júbilo continúa con «Tuttifrutti» y cambia rotundamente con uno de los pocos lentos: «Fior Di Latte» con su repetitivo «We’re meant to get it on». Después viene «Lovelife» que va por el mismo camino que el tema anterior incluyendo un sampleo a «October (Love Song)» de Chris & Cosey y acá es donde inicia la segunda parte del material con el nostálgico «Goodbye Soleil», uno de los primeros adelantos cuyo video retrata la vida de la Roma actual pero con efectos vhs que buscan hacer un paralelismo con la antigua.

Le siguen los temas dance más contemporáneos como «Fleur de Lys» y «Role Model». El cierre se da con dos tracks que vuelven al sonido envolvente de los primeros y con letras que van entre el inglés y algo de italiano: en «Via Veneto» escuchamos a Mars decir frases como «senza te» («sin ti») y «non troppo, un po’ per lei» («No demasiado, un poco para ella») y en «Telefono» hay una entremezcla más notoria con versos como «Non posso vivere, troppo bisogno di te» («No puedo vivir, te necesito demasiado») o «Vivere Guarda, guarda intorno a te» («Vivir, mirá, mirá a tu alrededor») con un tono melancólico donde se cuenta esta historia de un enamorado que espera a su amada que está de viaje por trabajo y aún no puede volver.

«Ti Amo» es una pieza que representa sentimientos como el amor, el deseo y la nostalgia desde la inocencia (o sin ser tan inocentes pero conservando lo cursi y romántico) con sus raíces latino-europeas y a su vez mirando a Italia como un mundo de fantasía tal como sus integrantes han expresado en conferencias. Y eso es justamente lo que hicieron en estos 10 temas de una banda que está cada vez más alejada del rock tradicional y las letras de tristeza o desamor y más familiarizada con las pistas de baile, la felicidad y los sintetizadores. Es un álbum que prometió ser lo que se podía esperar de Phoenix desde el aclamado «Wolfgang Amadeus Phoenix» (2009) en adelante y el cual es más que ideal para una tarde de verano

Calificación: 8.45/10

Colors – Beck (2017)

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Después de tantos lanzamientos y más de 20 años de carrera, ¿hay algo que el músico aún no haya hecho? Sorprendentemente sí: crear su álbum más alegre y asimilable hasta la fecha. Un material con varias matices llenas de vigor hasta para alguien que desconoce su abanico musical. Pero sobre todo, pop y más pop con el toque que tanto lo caracteriza.

El disco n°13 empieza con el homónimo «Colors», una verdadera explosión de sonidos que nos introduce directo a lo que resta. Guitarras, violines, elementos electrónicos y hasta el sonido de una flauta para sentirse vivos al «ver, hacer y sentir los colores» tal como lo dice su letra. Luego continúa con «Seventh Heaven» donde el ambiente se torna más celestial a través de los coros y la presencia del sintetizador con un estribillo pegadizo. Le sigue el tema más rockero y, a la vez, liberador del álbum: «I’m So Free», una oda a la libertad e independencia que tiene la colaboración de la cantante canadiense Feist quien interpreta el bridge que dice «nadie me va a rebajar (…) vamos a hacer lo que queremos».

Después de canciones para pasar un buen rato, aparece «Dear Life» que trata sobre las veces que se atraviesan momentos difíciles y surge ese sentimiento de querer rendirse: «Querida vida, estoy aguantando. Cuánto tengo que esperar antes que la emoción se vaya» canta Beck en el estribillo de un track donde predomina el piano al estilo de The Beatles o Elliot Smith pero con cierto humor como nos tiene tan acostumbrados al decir «querida vida, vení y levantame. Querida vida, creo que el botón se atascó. Querida vida, creo que esto llegó muy lejos. Querida vida, por favor más bajo que la barra, más bajo que las estrellas».

La parte más retrospectiva y crítica sigue con «No Distraction» que suena como un tema ochentoso o proveniente de una banda como The Police. En su letra, Hansen expresa su disconformidad con el avance de la tecnología al punto de distanciarnos de lo real, de no poder mirarnos a los ojos sin tener un celular en mano, esperando poder conversar con otra persona sin ningún intermediario. Sin embargo, regresa a su parte más festiva con el single «Dreams» en una nueva versión que todavía contiene la guitarra distorsionada a lo Talking Heads pero censurando la parte explícita de la letra por un «dejá de arrastrar mis sueños» logrando ser más radio friendly.

Esta segunda parte del LP nos trae a «Wow», ese tema donde Beck vuelve a su lado más clásico rapeando a lo largo de la letra pero fusionando el trap y los ritmos urbanos contemporáneos con algo más bailable y el sonido de una marimba al llegar a la mitad. El octavo es «Up All Night», lo más popero y fácil de escuchar que tiene con una letra simple pero en «Square One» se encuentran las más complejas y metafóricas donde habla sobre un estilo de vida donde se va por lo fácil en lugar de mayor esfuerzo y a causa de los pensamientos negativos.

El cierre es con el 10° track «Fix Me» que remonta a sus canciones más acústicas (ya sean de «Morning Phase» o «Sea Change») por la melodía y una letra de amor y cierta desilusión al querer a alguien pase lo que pase (incluso si «el mar inunda la ciudad esta noche»): «Podrás repararme, podrás aplastarme, tomar un pedazo de mí, empezar una nueva historia y dejar una huella en mí. Algún día lo podrás ver» pero termina de manera positiva con un «estoy libre».

«Colors» expresa los altibajos de la vida con melodías generalmente alegres y que puede escucharse de corrido en cualquier momento del día. Hasta hace unos años lo más desenvuelto que tenía en su discografía era «Midnite Vultures», ese disco lleno de rock, funk y letras sin sentido que mostraban el lado bizarro de la fama y la sensualidad. Pero este LP de 2017 (que tardó en lanzarse más de lo esperado) definitivamente dio en el clavo para llegar a un público mucho más amplio y lograr entretenerlos sin tantas barreras o canciones por saltear.

Si bien le ha jugado en contra las mil reprogramaciones en su lanzamiento y que después de varios adelantos hayan pocos temas realmente nuevos, salió en el momento indicado, en un punto donde el artista tiene la madurez y experiencia suficiente para meterse en el ámbito del pop sin ser juzgado por ello. Después de todo, estamos hablando de alguien que pasó por el anti-folk y lo-fi para más tarde incursionar en el folk y las producciones con mayor fidelidad. No por nada se lo considera camaleónico…

Calificación: 8,65/10

Harry Styles – Harry Styles (2017)

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El integrante de One Direction se ha influenciado por artistas como David Bowie, The Beatles, Pink Floyd, Queen y Elvis Presley por lo que desde un comienzo sabíamos que su interés por el rock clásico era especial y hasta podría diferenciarlo de sus compañeros de la boyband. Entonces no es sorpresa que su debut como solista esté fuertemente ligado al rock pero con tintes de pop británico y sonidos contemporáneos llegando a predominar el soft rock de baladas y guitarras acústicas.

Este disco homónimo empieza con el suave «Meet Me In The Hallway» donde se entra en un clima de cierta intriga. Le sigue «Sign Of The Times», el primer adelanto cuyo video tiene a Styles caminando (y volando) por las montañas y un río. Probablemente sea la canción donde Bowie se hace más presente tanto por el piano como por la voz nostálgica del joven cantante que toca el tema de la vida y la muerte mientras dice «dejá de llorar, es una señal del tiempo. Tenemos que irnos de acá…Nos podemos volver a encontrar de nuevo en algún lugar».

En «Carolina», Harry empieza a tornar el ambiente en algo menos sosegado. Pero vuelve a lo sentimental con «Two Ghosts» y «Sweet Creature» donde muestra su lado folk.

La intro de «Only Angel» tiene un coro angelical (y un sample de la película «Barfly») que parece continuar con lo generado en los primeros tracks pero casi al minuto la melodía cambia de manera abrupta y se escucha una guitarra eléctrica acompañada de un «ooh hoo». Sin embargo, es el track siguiente, «Kiwi», el que desata el descontrol cual banda rockera de los 70s.

Los momentos de rebeldía y éxtasis se desvanecen en los últimos 3: la balada «Ever Since New York», el sugestivo «Woman» y «From the Dining Table» con su «tal vez un día me vas a llamar y decirme que también estás arrepentida».

«Harry Styles» es un debut con una buena base (y muy buenos productores) que, si continúa desarrollando una evolución musical a través de los años, puede ser considerado un artista serio. Este es el punto de partida que, si bien hay ciertas cuestiones por mejorar -tanto en lo melódico para que sea más dinámico como en lo lírico-, tiene potencial para llegar más lejos…

Calificación: 8.25/10

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