How Did We Get So Dark? – Royal Blood (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

Segunda ronda en el especial #MBUÁLBUMDELAÑO. Leelo gratis haciendo clic acá

El dúo británico regresó con su segundo álbum de estudio luego de su debut en 2014 que los llevó a ser catalogados como, dicho en otras palabras, «la esperanza del rock contemporáneo». Podría decirse que es su lado más oscuro cuando en realidad sigue la misma línea que su predecesor y fue producido de manera tal que genere impacto a la hora de ser escuchado en vivo.

Este LP empieza con el homónimo «How Did We Get So Dark?» el cual habla de una relación que terminó de manera predecible y dejando a la otra persona a la deriva. Le sigue «Lights Out» donde Mike Kerr y Ben Thatcher demuestran sus habilidades en el bajo y batería respectivamente con un explosivo estribillo así como también en «I Only Lie When I Love You», uno de los favoritos en sus shows tanto por lo sonoro como por su letra repetitiva.

Para la mitad del tracklist, continúa con «She’s Creeping» en donde comenzamos a escuchar los falsettes de Kerr (que luego desarrolla mejor en el estribillo de «Don’t Tell») durante el «he dejado de escuchar, sólo estoy esperando por una respuesta a la pregunta que ya conozco, te voy a decepcionar» y «Look Like You Know», con el bajo predominando gran parte del tema.

A medida que va terminando, aparecen los potentes «Where Are You Now?», «Hook, Line & Sinker» y «Hole In Your Heart» pero el cierre tiene a «Sleep», un tema que se inclina a lo melódico (con una historia sobre una decepción amorosa que conlleva a pensamientos negativos) sólo que sin dejar de lado los riffs de gran densidad que engloban la temática del álbum por completo y se va desvaneciendo mientras se escucha al cantante decir, casi como si fuera un susurro, «no quiero dormir porque tuve suficiente del mismo mal sueño, no lo puedo apagar».

En general, es un material cohesivo y que ha dejado ver la experiencia adquirida de sus integrantes durante estos años. Además de estar al alcance de un oyente cualquiera por más conocimiento mínimo que tenga en el género y, si continúan reforzando y experimentando en su sonido como banda, pueden ser la esperanza en el rock n’ roll de la que tanto se habla…

Calificación: 9,25/10

Beautiful Trauma – P!nk (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

Segunda ronda en el especial #MBUÁLBUMDELAÑO. Leelo gratis haciendo clic acá

A 5 años de «The Truth About Love» y tiempo más tarde el proyecto folk You+Me, su segundo embarazo y el inspirador discurso sobre su hija en los MTV VMAs que se hizo viral, P!nk volvió con «Beautiful Trauma», su séptimo álbum de estudio.

Este LP trae canciones pop que suenan en los primeros minutos pero en esta ocasión y, por primera vez en toda su discografía, predominan las baladas. Empieza con el tema homónimo compuesto por la cantante junto a Jack Antonoff (quien además de ser el frontman de Bleachers y un ex-Fun., está detrás de la producción de otros álbumes de 2017 como «Melodrama» de Lorde y «Masseduction» de St. Vincent) donde se escucha un violín en los primeros segundos pero se vuelve más popero a medida que llega al estribillo donde Alecia Moore habla sobre el lado traumático de la vida pero al mismo tiempo de la parte hermosa de vivir.

Continúa con «Revenge», un tema que oscila entre el pop y el rap con la participación de Eminem quien ya había aparecido en «Here Comes the Weekend» en 2012 y por su parte, P!nk apareció en el tema de él titulado «Won’t Back Down». El tema en sí tiene una letra controversial donde habla sobre la venganza mutua y una relación amor-odio con algún que otro insulto dando vuelta entre los versos (probablemente este sea el motivo por el cual se descartó un videoclip de éste que se estaba rodando). Sigue con «Whatever You Want», canción que remonta a su estilo en discos pasados como «I’m Not Dead» (2006) o «Funhouse» (2008).

En «What About Us» encontramos -además del single principal- a una P!nk haciendo un pedido, una súplica que se relaciona con la política (tal como ya lo había hecho antes en «Dear Mr. President») y los tiempos difíciles donde las minorías no logran ser escuchadas o buscan las respuestas que se les prometieron; a pesar de tener una melodía génerica de dance/pop la parte más importante es su letra y el contenido fuerte y reflexivo.

A partir de «But We Lost It», comienza el bloque más melancólico de «Beautiful Trauma» con este tema que habla sobre una relación amorosa que va desgastándose con el tiempo acompañado por un piano y versos como «hay un extraño, está en mi cama. Un poco vacío como los pensamientos que viven en mi cabeza. Este es el que sentí que conocía tan bien, creo que lo teníamos pero lo perdimos». Le sigue el nostálgico «Barbies», tema compuesto junto a Julia Michaels donde se habla de volver al pasado, más precisamente a la infancia. Luego rompe con «Where We Go» con una melodía que va entre el pop contemporáneo y el edm chill. Sin embargo, vuelve al piano y lo lento con «For Now» hasta que llega al estribillo y se vuelve más movilizante manteniendo la letra melancólica.

El clima cambia por unos minutos con «Secrets», un tema más alegre y radio friendly con versos más pegadizos: «Tengo algunas cosas que decir, todos tienen un secreto». Se mantiene con «Better Life» que suena más electrónico y optimista aún con el piano y un coro acompañando. En «I Am Here» hay fuertes tintes de folk fusionado con la velocidad del pop (y sigue el piano en el fondo). Finalmente, regresa a la vulnerabilidad pero concluye en fortaleza con «Wild Hearts Can’t Be Broken» donde P!nk demuestra su impresionante capacidad vocal con las notas cerca del final y «You Get My Love» donde no duda en llegar a tonos agudos y lucirse al hacerlo.

En 13 tracks, «Beautiful Trauma» resulta lineal por momentos al tener varios temas con instrumentos similares pero con letras interesantes y rescatables donde P!nk demuestra por qué es una de las cantantes del pop más talentosas de la industria. Si bien durante vario tiempo hemos estados acostumbrados a su costado más pop/rock rebelde e irreverente, en 2017 nos trajo una faceta madura y llena de sentimiento que ya ha explorado antes pero ahora con mayor intensidad. Dentro de lo que es el mainstream, es de los artistas que optan por la versatilidad y la evolución adaptándose musicalmente a los tiempos que corren y probablemente más adelante el LP sea mejor apreciado.

Calificación: 7,90/10

Sacred Hearts Club – Foster The People (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

Segunda ronda en el especial #MBUÁLBUMDELAÑO. Leelo gratis haciendo clic acá

Después del tour mundial de «Supermodel», se dieron un descanso de los escenarios y shows masivos pero han estado trabajando en el estudio en este tercer disco que prometía ser más cercano a los ritmos urbanos con un poco de elementos electrónicos como en su debut. Y así fue: este club de los corazones sagrados tiene a una banda consolidada (sin Cubbie Fink) con Mark Foster y Mark Pontius junto a los integrantes de sus presentaciones en vivo. El resultado trajo temas electropop y R&B como «Harden The Paint», «Loyal Like Sid & Nancy» y «Pay The Man» donde hasta escuchamos a Foster rapeando. Pero hay otros donde aún mantienen estilos más familiares: «Lotus Eater», «I Love My Friends» y «Sit Next To Me». La sumatoria no es cohesiva, pero tampoco pretende serlo.

Calificación: 7,30/10

Visions of a Life – Wolf Alice (2017) #MBUÁLBUMDELAÑO

Segunda ronda en el especial #MBUÁLBUMDELAÑO. Leelo gratis haciendo clic acá

La banda indie inglesa trae su segundo álbum de estudio producido por Justin Meldal-Johnsen (quien ha trabajado con Paramore, Beck y Nine Inch Nails). El primer adelanto fue el contundente «Yuk Foo» donde su frontwoman Ellen Rowsell dice, textualmente, «I wanna fuck all the people I meet» a los gritos mientras suena la melodía punk rock. Pero el resto del tracklist es diferente a aquel tema compuesto en un momento de bronca según contó Rowsell. Tenemos «Don’t Delete The Kisses» y «Beautifully Unconventional» que van a un tempo más lento y se guían por lo sentimental.

Calificación: 8.45/10

Eminem estrenó un nuevo álbum

Luego de lanzar Revival hace menos de un año, Eminem sorprendió a sus seguidores estrenando un nuevo disco de estudio, Kamikaze. Fue producido por el mismo Eminem y Dr. Dre, y dicho álbum contiene trece canciones.

El rapero colaboró con artistas como Fred Ball, Boi-1da, Illadaproducer, Ronny J, Tay Keith, Mike WiLL Made It, Jeremy Miller, S1, Tim Suby y Jahaan Sweet, Joyner Lucas,

Jessie Reyez y Royce da 5’9″.

«Intenté no pensarlo demasiado… disfrútenlo», dijo Eminem vía Twitter.

Escucha el álbum a continuación:

Ariana Grande fue acosada en el funeral de Aretha Franklin

La cantante estadounidense Ariana Grande vivió un momento incómodo en el funeral de Aretha Franklin cuando tras cantar fue manoseada por el obispo Charles H. Ellis III, que oficiaba la ceremonia que se llevó a cabo en el Templo Greater Grace en Detroit.

Las cámaras que cubrían el evento captaron el momento en el que el obispo agarró a la cantante de una manera indebida mientras la felicitaba tras haber interpretado «A Natural Woman», acercándola hacia él y tocando un lado de su pecho. Ariana se veía realmente incómoda e incluso intentó alejarse del obispo.

El hecho fue repudiado masivamente en las redes sociales: los usuarios comenzaron a difundir las imágenes y videos en primer plano del acoso bajo el hashtag «#RespectAriana«, que se convirtió en tendencia mundial.

«Nadie merece estar en una situación así», manifestaron los seguidores de la cantante, y la defendieron ante las personas que, sorprendentemente, la culpaban por el hecho: Ariana Grande fue acusada por «vestirse muy provocativamente» para la ocasión y «no decir ni hacer nada» ante lo que ocurría.

«Nos encontramos en 2018: nada, especialmente la vestimenta, debería utilizarse como excusa para acosar sexualmente a una persona», expresaron los usuarios en las redes sociales, y añadieron que si Ariana Grande no hizo nada es porque se encontraba incómoda y no supo cómo reaccionar.

La cantante hasta el momento no hizo ninguna declaración, mientras que el obispo se disculpó: «Nunca sería mi intención tocar el pecho de una mujer», dijo inicialmente en una entrevista, y más tarde reconoció que tal vez cruzó el límite: «tal vez fue demasiado amigable o familiar, pero de nuevo, me disculpo».

DAMN. – Kendrick Lamar (2017) #MBUÁlbumDelAño

#3 en el especial #MBUÁLBUMDELAÑO. Leelo gratis en ISSUU haciendo clic acá

Luego del aclamado «To Pimp A Butterfly» (2015), Lamar está de vuelta con su cuarto LP que terminó por catapultarlo como uno de los referentes del rap actual. Producido por Anthony «Top Dawg» Tiffith, Dr. Dre, 9th Wonder, The Alchemist, BadBadNotGood, Greg Kurstin, James Blake y Mike Will Made It, entre otros; DAMN. es fuerte y contundente con lo que desea expresar.

En «Humble», aparecen referencias religiosas y críticas a la sociedad (tanto en la letra como en su video donde se ven recreaciones de obras artísticas y está repleto de efectos de enfoque e imágenes en 360°) con un repetitivo estribillo que dice «sentate, sé humilde». Sin embargo, tuvo su controversia por la frase «Estoy tan harto y cansado del Photoshop, mostrame algo natural como un afro en Richard Pryor, mostrame algo natural como un culo con estrías».

Luego podemos encontrar otros temas y colaboraciones interesantes que se destacan en el álbum: «DNA», «Love» (con Zacari), «XXX» (con U2) y «Duckworth» que es el cierre del mismo. También está la colaboración con Rihanna en «Royalty», un track intrínseco en el terreno del trap donde Kendrick opta por la reiteración como componente principal.

«DAMN.» tiene hip hop contemporáneo, tiene «rap de consciencia» y su fórmula simple llegó a ser tomada en cuenta hasta en el mainstream pop donde obtuvo una enorme recepción. Menos experimental que discos pasados, pero un highlight de su discografía.

Calificación: 9.05/10

Lust for Life – Lana Del Rey (2017) #MBUÁlbumDelAño

Segunda ronda en el especial #MBUÁLBUMDELAÑO. Leelo gratis haciendo clic acá

En un comienzo pensado como un LP inspirado en los 50s, Lana Del Rey lanzó el sucesor de «Honeymoon» (2015) donde, a diferencia de otros materiales previos, toma un camino mucho más urbano e inclinado en el trip hop. A causa de esto surgen colaboraciones con raperos y cantantes del R&B contemporáneo como The Weeknd en «Lust For Life», ASAP Rocky y Playboi Carti con temas como «Summer Bummer» y «Groupie Love». Pero no todo es rap ya que también trabajó con Stevie Nicks («Beautiful People Beautiful Problems») y Sean Ono Lennon («Tomorrow Never Came»). Fue producido con Lana junto a Rick Nowels, Emile Haynie, Benny Blanco, Kieron Menzies y Dean Reid.

Se destacan canciones como «Cherry», «White Mustang», «In My Feelings» y «Get Free» donde encontramos un sonido más familiar pero con la inclusión de un contexto político como sucede en el caso de “Coachella-Woodstock In My Mind” donde hace referencia a los festivales durante la tensión por la formación de una guerra y “God Bless America – And All the Beautiful Women In It” («Dios bendiga a América – y todas las bellas mujeres en él»).

Calificación: 8.85/10

Broken Machine – Nothing but Thieves (2017) #MBUÁlbumDelAño

Segunda ronda en el especial #MBUÁLBUMDELAÑO. Leelo gratis haciendo clic acá

Después de un debut contundente con el self-titled en 2015, este segundo LP arranca con «I Was Just A Kid», un tema que inicia con lo que parecería ser rock calmo pero se desata el caos en tan sólo 15 segundos para desarrollarlo a lo largo de la canción con un inevitable paralelismo con bandas que han experimentado la fusión con elementos electrónicos como Muse pero ahora con una marca personal mejor definida. Le sigue «Amsterdam» donde siguen sonando de manera potente y acompañados por el «golpeo mi cabeza contra la pared una y otra y otra vez» en su estribillo. El clima caótico se desvanece por un rato con «Sorry» donde Conor Mason hace una mea-culpa arrepentido por lo que hizo. Continúa con el misterioso «Broken Machine» que oscila entre el rock y la electrónica nuevamente con ciertos tintes a lo Muse. Pero el bullicio vuelve con «Live Like Animals» donde encontramos críticas relacionadas con el entorno político actual y uno de los que se diferencian del resto del álbum por su tempo veloz: «la TV nos dice que nos asustemos, haríamos una diferencia si nos importara. Ponemos nuestras vida a la venta, obtenemos nuestra verdad en el Daily Mail» dice Mason al comienzo.

En contraste a su primera parte, el final de «Broken Machine» va bajando sus decibelios con canciones como «Soda» con su «no quiero ser yo, me está haciendo muy mal (…) sólo quiero ser alguien más», el triste y confesional pero enérgico «Particles» seguido por «Get Better», el acústico «Hell, Yeah» donde su frontman logra lucirse con su voz y el cierre del álbum «Afterlife», pero teniendo a «I’m Not Made By Design» como «intervalo» en el tracklist y trayendo de vuelta la rebeldía y los headbangs por casi 4 minutos. «Broken Machine» muestra una evolución reforzada y la banda encuentra un sonido impetuoso que podría volverse característico con los años.

Calificación: 8.27/10

COBERTURA: David Byrne en el Gran Rex (2018)

«LA UTOPÍA AMERICANA SEGÚN BYRNE» Publicado en la 5ta edición de MBU. Leelo gratis en ISSUU

(foto por DF Entertainment)

A pesar del abrupto final del día 3 por el clima, nos quedaron los «shows aparte» de algunos artistas de esa fecha como Volbeat, LCD Sounsystem y David Byrne quien se presento al día siguiente en el Teatro Gran Rex con una performance tan ambiciosa como aquel icónico «Stop Making Sense» de 1983 con su ex banda Talking Heads. Pero, ¿estuvo a la altura?

Luego de una entrada en calor con la banda de Lisandro Aristimuño, el teatro estuvo recibiendo la llegada de fanáticos de varias generaciones para una noche que estuvo a poco de ser sold out. Se apagaron las luces y, rodeado por unas cortinas grises, apareció Byrne sentado frente a una mesa, descalzo y con un cerebro en mano como si se tratara de una obra de William Shakespeare para dar inicio a su utopía con «Here»: «Acá está una región de abundantes detalles» dice en su primer verso mientras que a la mitad empiezan a aparecer los primeros dos músicos que se asoman lentamente por las cortinas hasta entrar a escena por completo.

A continuación llega «Lazy», su colaboración del 2002 con X-Press 2 donde salen todos los músicos que lo acompañaran a lo largo de la noche con sus instrumentos cual orquesta y bailando las coreografías de cada tema. Le siguen dos de Talking Heads: el repleto de percusión «I Zimbra» y «Slippery People». También le dio lugar a otra collab con «I Should Watch TV» de su álbum con St. Vincent «Love This Giant» pero no dejó de lado a las canciones de su nuevo material: «Dog’s Mind» y «Everybody’s Coming to My House».

Acercándonos a la mitad del show, aparecieron otros clásicos de Talking Heads como «This Must Be The Place (Naive Melody)» para los nostálgicos y el inolvidable «Once In A Lifetime» donde pudimos ver a David moviéndose lado a lado como si estuviera desorientado y recordándonos a su papel de pastor en el videoclip. El clima se tornó más calmo con el introspectivo «Doing The Right Thing» pero volviendo con «Toe Jam», track que hizo junto a Dizzie Rascal y el cual es parte de la discografía de Fatboy Slim con su proyecto The Brighton Port Authority (BPA).

En medio de una introducción de los integrantes de esta banda de músicos y bailarines, suena «Born Under The Punches (The Heat Goes On)» otra de su vieja banda con la infaltable percusión en las baterías y bongos. Sigue en la «utopía americana» con «I Dance Like This» y su pintorezca coreo en el estribillo, «Bullet» donde Byrne queda solo y a la deriva caminando por el escenario con un farol de pie en mano que apenas logra alumbrar su rostro dando paso a la parte más oscura y vulnerable de la presentación. Pero todo se contrarresta en «Every Day Is A Miracle» y «Like Humans Do» (single del LP de 2001 «Look Into The Eyeball») donde vuelven sus 11 compañeros.

Entre uno de los momentos más destacados podemos encontrar el juego de sombras chinescas durante «Blind» (con cierta semblanza al de Stop Making Sense pero con más personas) con el artista tocando la guitarra y acercándose y alejándose de la luz en el centro para que su sombra vaya tomando forma. Siguiendo con hits de TH, pasó «Burning Down The House» donde todos los espectadores se pusieron de pie para bailar al ritmo del tema y festejar cada ocurrencia de Byrne.

Dando inicio al primer encore, aparece «Dancing Together» seguido por «The Great Curve» (nuevamente de la banda icono de los 80s). En el segundo encore llego la ultima canción. Podría haber sido «Psycho Killer», podría haber sido otra de «American Utopia» pero no, el teatro volvió a la realidad con un cover de Janelle Monáe titulado «Hell You Talmbout» que habla sobre las personas que fueron asesinadas por policías en Estados Unidos y pide en su letra decir sus nombres para que no queden en el olvido. De esta forma se despiden del público y salen por los costados mientras aún se puede ver a través de las cortinas. Con un sabor agridulce, pero en general más bueno que malo, todos se van retirando del Gran Rex.

(foto por DF Entertainment)

Fue una performance muy ligada al ámbito teatral teniendo una banda que se desplazó por todo el escenario mientras tocaban sus respectivos instrumentos, un músico que con todos sus años y experiencia encima todavía está lucido y es ágil para interpretar un setlist con su voz y el baile al mismo tiempo, cosas que logró capitalizar muy bien de su faceta actoral. Si bien la interacción con el público no pasó mas que por agradecer después que se lo aplaudiera fuerte al finalizar cada tema y cantaran el «olé, olé, olé», logró una presencia y un entorno envolvente que no llegó a requerir tanta charla. Y a pesar de ser otra gira en tiempos muy diferentes a cuando se hizo el Stop Making Sense, estuvo a la altura. El ex «cabeza parlante» cumplió con lo que proponía…

Diseña un sitio como este con WordPress.com
Comenzar